Quando Netflix ha lanciato Cyberpunk: Edgerunners, in molti pensavano fosse solo un simpatico spin-off ambientato nell’universo del videogame Cyberpunk 2077. In realtà, col senno di poi, possiamo dirlo senza troppi giri di parole: quell’anime ha in gran oarte salvato il videogioco.

Ricordiamolo: al lancio del 2020, Cyberpunk 2077 era atteso come il nuovo miracolo di CD Projekt Red, la stessa software house che ci aveva regalato The Witcher 3. Poi, la doccia fredda (nostra in primis): bug a valanga, meme infiniti, e persino il soprannome “Cyberbug 2077”. Il sogno di tanti di vivere in un vero meta-universo in stile cyberpunk popolato, libero e vivo era già morto e sepolto.
Due anni dopo ecco l’imprevisto: il 13 settembre 2022 Edgerunners approda su Netflix e in dieci episodi firma un record clamoroso successo di critica e pubblico che non solo conquista le classifiche dello streaming, ma trascina con sé il videogioco. Nel giro di una settimana, un milione di giocatori al giorno tornano a passeggiare tra le luci al neon della città. Patch e update avevano già migliorato il titolo, certo, ma il vero “boost” lo ha dato l’anime: improvvisamente Cyberpunk 2077 non era più solo un gioco controverso, ma un’esperienza da riscoprire.

La forza di Edgerunners sta tutta nella sua semplicità: racconta Night City senza fronzoli, con gli occhi di David Martinez, ragazzo comune catapultato in un mondo dove basta una micro-decisione sbagliata per finire schiacciati. L’anime non reinventa nulla, ma rende palpabile quell’atmosfera che nel videogioco era stata a volte soffocata dai bug e dalle aspettative irrealistiche.

E qui scatta la magia: per chi aveva già giocato, Edgerunners è stata la scusa perfetta per tornare a Night City, magari provando le nuove mod ispirate alla serie o i contenuti cosmetici aggiunti con le patch. Per chi invece non aveva mai toccato il pad, la serie è diventata un portale di ingresso, un trailer lungo 10 episodi che ha spinto a comprare il gioco. Una sinergia rara, che ha trasformato un anime in marketing organico da manuale.

Il lato tecnico: Trigger + CDPR, una combo esplosiva

Studio Trigger, con il suo stile schizofrenico e acido, ha reso giustizia al caos visivo di Night City: neon, protesi, corpi potenziati che si muovono come flash epilettici. Non sempre l’animazione è perfetta, ma il colpo d’occhio resta devastante. Il character design – Lucy, Rebecca e lo stesso David – è entrato subito nell’immaginario collettivo, tanto che le mod ispirate a loro sono comparse nel gioco praticamente in tempo reale.

Dall’altro lato, CD Projekt Red non è rimasta a guardare: patch e aggiornamenti hanno integrato funzionalità cosmetiche ispirate all’anime, oltre a miglioramenti tecnici sul gameplay e, in seguito, persino il supporto al Ray Tracing Overdrive su PC. Insomma, mentre l’anime accendeva i riflettori, il team sistemava le fondamenta: perfetta tempistica.

Un successo a due vie

Il fenomeno Edgerunners ha dimostrato che videogiochi e serie animate possono alimentarsi a vicenda. Netflix ha dato nuova linfa a un brand che rischiava di finire nel dimenticatoio, mentre Cyberpunk 2077 ha offerto ai fan la possibilità di vivere quell’universo in prima persona. Un doppio binario che ha generato un effetto valanga: Edgerunners è diventata la porta di accesso, il videogioco la prosecuzione naturale.

E i numeri parlano chiaro: le classifiche Steam hanno visto Cyberpunk 2077 tornare nella top ten, con il record di giocatori contemporanei più alto dai giorni del lancio. In poche settimane, il titolo è passato dall’essere “il grande flop” a un cult da riscoprire.
Ma perché funziona così bene?
Perché Edgerunners non è solo estetica tamarra e sparatorie spettacolari. È un racconto di fallimento, sacrificio e sogni infranti, che rispecchia il cuore stesso del videogioco. Night City è una metropoli che illude, seduce e poi divora: lo sanno bene i giocatori che hanno passato ore a personalizzare il proprio V e si sono visti inghiottiti dallo stesso meccanismo.
L’anime prende questo concetto e lo rende universale: David non è diverso da noi. È solo un individuo che cerca di sopravvivere in un mondo che non ha alcun interesse per la sua felicità. Ed è forse questa la chiave del successo: vedere riflessa nella sua caduta la nostra stessa vulnerabilità.

Alla fine, possiamo dirlo: Cyberpunk: Edgerunners non ha solo raccontato una storia, ha rianimato un intero universo narrativo. Ha fatto quello che nemmeno le patch più corpose di CDPR erano riuscite a fare: restituire desiderio, hype e soprattutto emozione ai giocatori.

E se oggi Cyberpunk 2077 è tornato a essere giocato, discusso e amato, lo dobbiamo soprattutto a dieci episodi di anime che hanno ricordato a tutti una cosa semplice: Night City è crudele, imperfetta e devastante, ma è impossibile smettere di tornarci.

Dopo la presentazione avvenuta presso la Worldwide Developers Conference del 5 giuigno 2023 di Apple del visore digitale dedicato al metaverso e alla realtà aumentata denominato Vision Pro dobbiamo ammettere che siamo davvero stupiti e meravigliati, quasi come dei bambini!

Le caratteristiche stesse del hardware in arrivo nel 2024 sono impressionanti rispetto a quanto a oggi può offrire il mercato (su tutti parliamo Meta Quest 2), Vision Pro può dotarsi di due display da 1,41″ micro-oled 4k con altissima luminosità da 5000 nits e densità di pixel per pollice quadrato  di 4000 ppi.
A gestire il sistema addirittura due processori tra cui il potente M2 assieme al nuovo e dedicato R1 per gestire tutte le dodici fotocamere, microfoni e altri sensori disseminati all’interno ed esterno e deputati al tracciamento di occhi e mani. Peccato solo per l’alimentazione tramite batteria esterna, tra l’altro con una durata dichiarata di sole 2 ore, che deve essere connessa attraverso un cavo di rispettabili dimensioni al visore e che risulta probabilmente scomoda nonostante le dimensioni comparabili a un cellulare o disco ssd. Tutto questo senza la necessità di un comando fisico, utilizzando semplici gesture delle mani lette attraverso sensori predisposti.
Non ultimo dato che ci ha fatto strabuzzare gli occhi è il prezzo al lancio ovvero 3500 dollari negli stati uniti, nazione dove inizialmente il device sarà venduto in esclusiva.
Senza sindacare sulla richiesta economica (che elegantemente definiremmo “golosa”…ndr) per l’acquisto, ne sulle altre infinite funzioni che sembra promettere il visore della mela morsicata, possiamo essere speranzosi della bontà del prodotto almeno in termini di design e costruzione, fattori che si intravedono fin dalla presentazione e dalle foto pubblicate sul sito.
Ma dopo aver subito una delle strategie marketing più efficaci dell’ultimo decennio, le vere domande che ci siamo posti sono: a che serve realmente e a chi serve un Apple Vison Pro?

“Una nuova era per i computer” (cit. Apple)

Per stessa dichiarazione del buon Tim Cook, ormai sempre più a suo agio nelle vesti del compianto Steve Jobs, tanto che in certi tratti ne ricorda fin troppo l’approccio comunicativo e lo stile l’Apple vison pro rappresenta “una nuova era per i computer” ed è da qui che un po’ a tutti noi è scattata una scintilla per una riflessione molto più profonda che tocca in modo profondo sia la nostra professione che il mondo del lavoro in generale. Questo visore a differenza dei già presenti sul mercato PS VR di Sony o Oculus Quest di Meta è stato pensato per il mondo professionale e produttivo visto anche il costo rispetto al mondo ludico d ‘intrattenimento per i quali sono stati pensati i device precedenti di altri brand?
Per come è stato presentato, per le caratteristiche riportate e per quanto è profonda la nostra conoscenza dell’ecosistema Apple, che conosciamo molto bene causa la nostra professione ci sentiamo di dare risposta affermativa considerando il fatto inoltre che Aplle ha fatto capire fin da subito, che alla pari degli altri prodotti proposti il visore sarà integrato in modo eccellente all’interno del proprio ecosistema.
Questo può solo significare che la disponibilità e l’integrazione con applicazioni e software già presenti per i sistemi operativi OS e iOS, uniti alle funzionalità uniche del visore, con applicazione programmate ad hoc per esso e alle funzioni della realtà aumentata come unire visione dal vivo a simulazioni in tempo reale, potrà portare a possibilità pressoché infinite per chi si occupa di produttività e per certi settori specifici come l’architettura, la ricerca scientifica, il design industriale, l’archeologia o l’ingegneria.
l’Apple Vision Pro potrebbe essere il punto di svolta che ridefinisce il concetto stesso di lavoro….Vedremo!

L’Apple Vision Pro rappresenta molto più di un semplice dispositivo tecnologico. È una finestra aperta su un futuro in cui il lavoro si fonde armoniosamente con la tecnologia, migliorando ogni aspetto dell’esperienza lavorativa. Attraverso la sua capacità di ottimizzare la collaborazione, l’efficienza e l’apprendimento, questo dispositivo si preannuncia come un pilastro fondamentale nell’evoluzione delle dinamiche lavorative. Mentre il mondo si adatta alle sfide in continua evoluzione, l’Apple Vision Pro potrebbe essere il punto di svolta che ridefinisce il concetto stesso di lavoro.

Apple Vision Pro: Rivoluzione nel Mondo della Produttività?

Nella Worldwide Developers Conference del 5 giugno 2023, Apple ha svelato il suo nuovo visore digitale, il Vision Pro, dedicato al metaverso e alla realtà aumentata. Questa presentazione ha suscitato in noi stupore e meraviglia, rimanendo affascinati come dei bambini di fronte a quella che crediamo un a piccola/grande rivoluzione come lo è stata l’avvento degli smartphone.
Le caratteristiche hardware in arrivo nel 2024 superano di gran lunga quanto finora offerto dal mercato. Dotato di due display micro-OLED 4K da 1,41″ con una straordinaria luminosità di 5000 nits e una densità di pixel di 4000 ppi, il Vision Pro si distingue. Impressionante è anche il sistema di calcolo con due processori, tra cui il potente M2 e il nuovo R1 dedicato al controllo di dodici fotocamere, microfoni e sensori per il tracciamento di occhi e mani.
Tuttavia, c’è un rovescio della medaglia: l’alimentazione tramite batteria esterna con una durata dichiarata di sole 2 ore. Questo comporta un collegamento al visore tramite un cavo, che può risultare scomodo nonostante le dimensioni compatte. Nonostante queste limitazioni, il Vision Pro si basa su gesti delle mani rilevati dai sensori, eliminando la necessità di un comando fisico tipico dei visori attuali.

Senza sindacare sulla richiesta economica (che elegantemente definiremmo “golosa”…ndr) per l’acquisto, ne sulle altre infinite funzioni e caratteristiche tecniche che sembra promettere il visore della mela morsicata, possiamo essere speranzosi della bontà del prodotto almeno in termini di design e costruzione, fattori che si intravedono fin dalla presentazione e dalle foto pubblicate sul sito.
Quindi dopo aver subito una delle strategie marketing più efficaci dell’ultimo decennio, grazie a design armonici, soluzioni di genio e grafiche di presentazione sempre elegantissime, essendo tornati lucidi, le vere domande che ci poniamo sono: a che serve realmente e a chi serve un Apple Vison Pro?

Verso una Nuova Era per la Produttività secondo Apple.

Per stessa dichiarazione del buon Tim Cook, ormai sempre più a suo agio nelle vesti del compianto Steve Jobs, tanto che in certi tratti ne ricorda fin troppo l’approccio comunicativo e lo stile l’Apple vison pro rappresenta “una nuova era per i computer”. Questa affermazione suscita riflessioni profonde, poiché il visore è stato progettato con un focus sulla produttività e sul mondo professionale, differenziandosi dai device strettamente ludici come PS VR di Sony o più limitati come Oculus Quest di Meta.
Le caratteristiche, il prezzo e la famigliarità con l’ecosistema Apple ci portano a credere che il Vision Pro sia destinato a rivoluzionare il lavoro. La piena integrazione con OS e iOS, le applicazioni e software dei due sistemi, insieme alle funzionalità uniche della realtà aumentata, aprono opportunità infinite. Settori come architettura, ricerca scientifica, design industriale, archeologia e ingegneria, giusto per citarne alcuni, potrebbero beneficiare appieno di questa innovazione.

L’Apple Vision Pro potrebbe ridefinire il concetto stesso di lavoro. Mentre ci aspettiamo ulteriori dettagli e informazioni, possiamo concludere che stiamo assistendo a una svolta epocale, un passo verso un futuro di possibilità ancora inimmaginabili…. Vedremo!

Chi avrebbe mai immaginato, qualche decennio fa, che un “semplice” videogioco action/horror e survival, avrebbe potuto generare un tale strascico di discussioni e polemiche?

Fin da subito l’annuncio della trasposizione televisiva di “The Last of Us” ha fatto sognare i fan e ha suscitato un grande interesse nel mondo dell’intrattenimento. In un’epoca in cui i formati comunicativi si ibridano sempre più, ampliando e allargando i confini di chi è il destinatario di una produzione, si vuole condividere e condividere una storia, una lore, con il pubblico più vasto possibile. “The Last of Us” è un esempio di questo fenomeno, dove una narrazione originariamente destinata ai videogiocatori si è diffusa attraverso la serie TV in streaming.

Il successo di questa dinamica è in parte attribuibile anche a trionfi commerciali come l’Universo Cinematografico Marvel, noto come MCU, che ha iniziato a dominare i cinema a partire dal 2008, per poi infiltrarsi nelle nostre case attraverso le serie TV in streaming, facilitando così questa tipologia d’ibridazione di media diversi. L’idea di amalgamare e far interagire diverse forme ludiche tra di loro non è certo un concetto nuovo, basta prendere in esempio l’universo di Star Wars, creato da George Lucas, oppure i numerosi manga che sono stati trasformati in anime e successivamente adattati in film in live action. Oppure il cult letterario di Lovecraft, il quale ha ispirato una varietà di prodotti influenzati dalla sua narrativa pressoché infinita. Questa tendenza si estende oltre, a volte inaugurando interi generi come nel vasto mondo fantasy ideato da Tolkien, che ha dato origine a tre film di successo e a una serie TV prodotta da Amazon, considerata tra le più costose della storia, nonché per l’appunto al genere “fantasy” come lo conosciamo oggi.

Detto ciò, cos’è che rende “The Last of Us”, così straordinario? Forse perché nasce videogame poi portato sul piccolo schermo? Eppure, non è certo il primo videogame a essere stato portato sul piccolo-grande schermo o piccolo schermo, ci sono già stati vari tentativi di sconfinamento del media, basti pensare ad Halo (fortunata serie sparatutto emblema di Microsoft per quanto riguarda il gaming) che però non hanno avuto tutta questa fortuna… nonostante vanti tantissimi romanzi derivanti e più di una serie tv all’attivo.

Possiamo quindi affermare che, a differenza di altri casi, l’interesse per questo peculiare titolo stia proprio nella complessità  nonché maturità dei temi illustrati al suo interno, che come un “pugno nello stomaco” sono esposti al pubblico, grazie anche a uno stile crudo e violento di cui è permeata la narrativa.
Questa particolare caratteristica ha suscitato molte polemiche in vari paesi in cui il gioco è stato rilasciato nel corso del tempo. Da quel momento in poi, il titolo ha attirato a sé non solo dibattiti accesi, ma anche episodi estremamente gravi, che sfidano in alcuni casi ogni logica di comprensione. Tra questi deprecabili episodi, spiccano le spiacevoli e gravi aggressioni verbali (e non) contro la doppiatrice Laura Bailey e l’attrice Jocelyn Mettler, la quale presta il suo volto per il motion-capture del personaggio di Abby. Queste professioniste hanno subito ingiustificate reazioni di odio e minacce online da parte di alcuni membri della fanbase del gioco, esaltati che probabilmente confondono realtà e finzione, generando una sorta di linciaggio mediatico e persecutorio, così pesante e persistente che continua tutt’ora. Questo fenomeno inquietante solleva interrogativi importanti sulla complessa relazione tra i fan e l’industria video-ludica.

Dopo il lancio della serie televisiva le diatribe non hanno fatto altro che intensificarsi, in gran parte dovuto al fatto che una serie TV attira sicuramente un pubblico più ampio rispetto a quello dei videogiochi. Il titolo ideato da Neil Druckmann ha suscitato non poche polemiche e discussioni incentrate sulle sue (presunte) tematiche a sostegno delle teorie LGBT+, in cui rientra la gaffe radiofonica del giornalista Rai Paolo Mieli, che non ha chiaramente basi di cultura video ludica sull’universo narrativo targato Naughty Dog, tanto più che confonde addirittura il titolo del gioco con la casa di produzione.
Per alcune persone la serie è stata vista come un manifesto, uno spot “elettorale” a favore della teoria gender e di chi vuole portare alla luce queste tematiche sensibili, concentrandosi, come per altri casi, più sulle caratteristiche dei personaggi che sulla trama in sé o sulla “morale” che essa vuole far trapelare.
Senza voler addentraci nel tema in se, dove ciascuno riteniamo debba avere la propria personale sensibilità e il suo punto di vista, crediamo che sia la serie video-ludica che la serie televisiva semplicemente non trattino l’argomento in sé. Capiamoci alcuni personaggi principali e secondari hanno chiaramente (e legittimamente vorremmo dire ndr.) un certo tipo di orientamento sessuale, ma la trama non verte su quello è una tematica solo di sfondo e ne è riprova il fatto che, con un po’ di fantasia, immaginando di cambiare l’orientamento sessuale dei personaggi a 100% etero (con ovvie modifiche al sesso del partner corrisposto) la trama principale in sé funzioni in egual misura e abbia gli stessi crismi e peculiarità: provare per credere.
The Last of Us tocca spesso, a volte senza affrontarle nel concreto, tematiche complesse e profonde: questioni sociali e traumi psicologici, dalla paura del diverso alla depravazione, dallo stupro a perfino il cannibalismo.
Lo stesso titolo l’abbiamo “letto”, tradotto e interpretato per quello che forse è il concetto chiave che pervade la serie volendo imprimere un focus per stimolare una riflessione ovvero l’essenza dell’essere umani: “Gli ultimi di noi”: inteso gli ultimi essere umani a essere rimasti umani, nella propria umanità. Perché la storia è ambientata in un mondo post apocalittico in cui una vera e propria pandemia globale ha spazzato via la civiltà umana riducendo l’umanità sull’orlo dell’estinzione con pochissimi umani sopravvissuti e ridotti a uno stato degradato costellato di comunità superstiti allo stato quasi tribale, spesso violenti, con vari gruppi che si scontrano per prendere il potere o per le risorse. Tutto questo caos apocalittico a differenza di altri contesti in tema zombie è scaturito dall’infezione causa dal Cordyceps, organismo parassitario fungino realmente esistente in natura, che tende a prendere il controllo delle proprie vittime letteralmente “zombificandole”.

Prima di “The Last of Us”, pochi conoscevano l’esistenza del fungo Cordyceps, un organismo affascinante e spaventoso che, nella realtà, attacca solo alcune specie di formiche. L’idea di ispirarsi a un organismo reale aggiunge un tocco di autenticità e originalità alla narrazione. Neil Druckmann, il creatore del gioco e della serie Tv, ha reinterpretato a suo modo e umanizzato il concetto stesso di zombie, come dimostrato dagli infetti chiamati “stalkers”: questi infetti, al loro stadio, lottano tra la coscienza umana rimanente e il controllo sempre più opprimente e doloroso del parassita, in alcuni casi quasi cercando di trattenersi dall’attaccare gli umani o per lo meno indugiando. Questo denota un approccio molto profondo a quello che fin a prima è stato un modo molto “pop corn” e caciarone di concepire la figura dello zombie.
Proprio per questo crediamo che The last of Us sia un medium ludico di spessore e non bisogna certo fermarsi agli aspetti polemici che involontariamente (o meno ndr.) ha scatenato.
Sarebbe auspicabile concentrarsi sulla bellezza artistica e poetica che trasmette il brand senza ogni volta vincolarsi a (anche legittimi) pensieri e visioni personali, perché perdersi questa serie, sia che si parli di videogame o di videogioco è prima di tutto perdersi un opera espressiva ricca di emozioni e sfumature.

In conclusione, l’evoluzione di “The Last of Us” dall’universo del videogioco alla serie TV ci offre una prospettiva affascinante su come la narrativa possa attraversare diversi medium e coinvolgere un pubblico sempre più vasto. Questo fenomeno ibrido segna un nuovo capitolo nell’interazione tra giochi, serie TV e cinema, aprendo la strada a ulteriori esplorazioni. Naturalmente se ci si apre a un pubblico più vasto critiche polemiche e fraintendimenti vanno tenuti in conto, ma è un fattore

Da qualche anno, tra chi segue il cinema con un minimo di passione, si è diffusa una domanda tanto semplice quanto spinosa: “Ma perché continuano a fare remake di qualsiasi cosa?”

Di solito, la domanda ha un tono polemico, quasi rassegnato, e sottolinea la presunta carenza di creatività e originalità nei film pensati per il grande pubblico. Ma la questione è davvero così semplice? La fantasia si è davvero esaurita? Come spesso accade, la verità sta nel mezzo.

Qualche tempo fa, mentre scorrevo le solite notizie di cinema online, mi è capitato davanti il trailer del nuovo La Bella e la Bestia in versione live action, previsto per l’anno successivo. E… non l’ho guardato. Semplicemente, non mi interessava. Passano un paio di giorni, torno sullo stesso sito e trovo il titolo: “Record assoluto per il nuovo live action Disney: il trailer ha totalizzato un numero esorbitante di visualizzazioni nelle prime 24 ore!”. Quanto fosse esorbitante non lo ricordo, ma il concetto era chiaro: entusiasmo alle stelle. Io, invece, ero ancora lì a chiedermi “ma perché tutto questo clamore?”. Sarà colpa mia, pazienza.

Dopo un’altra manciata di giorni, un amico mi chiede: “Hai visto il trailer de La Bella e la Bestia? Che ne pensi?”. A quel punto ho capito che non avrei avuto pace finché non l’avessi guardato. Così ho ceduto.

E dopo averlo visto? La prima parola che mi è venuta in mente è stata: “inutile”.
Sì, inutile. Inutile rifare uno dei capisaldi dell’animazione Disney se poi si mantiene pressoché identico all’originale. Inutile per lo spettatore, che può tranquillamente rivedersi il film del 1991. Utilissimo, invece, per la Disney. Ma su questo torniamo tra poco.

La questione del remake, o del reboot, sequel, prequel e via dicendo, va avanti da anni. E ogni volta che se ne parla, saltano fuori le solite lamentele: “Basta con questi rifacimenti!”, “Stanno rovinando i capolavori!”, “Non c’è più inventiva!”. E in parte, capisco il malcontento.

Molti spettatori tendono a considerare certe opere “intoccabili”, soprattutto quando si parla di classici o cult generazionali. Altri, invece, leggono nella marea di rifacimenti la conferma che la creatività nel cinema mainstream stia progressivamente evaporando. Ma è davvero solo una questione di mancanza d’idee? Oppure, più semplicemente, una questione economica?

Spoiler: è quasi sempre una questione economica.
Le grandi case di produzione ragionano come qualsiasi altra azienda: puntano al massimo guadagno col minimo rischio. E cosa può esserci di più sicuro che investire in un titolo già conosciuto, amato, e magari nostalgicamente legato all’infanzia di milioni di spettatori? Il rischio è basso, il pubblico c’è, l’incasso (quasi) garantito.
Scandalizzarsi, ormai, serve a poco. È un meccanismo che si applica ovunque, non solo nel cinema. Eppure, questo non significa che dobbiamo arrenderci a una pioggia di remake scialbi e senz’anima.
Il problema, infatti, non è il remake in sé, ma come viene fatto.
Perché diciamolo: quando un rifacimento è fatto male, lo si nota eccome. Ed è questo il vero tallone d’Achille del sistema. In molti casi, si ha l’impressione che la nuova versione venga prodotta in fretta e furia, senza una vera idea registica, senza un’identità visiva, senza passione. Solo con l’obiettivo di sfruttare il nome. Il risultato? Film deboli, dimenticabili, a volte addirittura imbarazzanti.

Qualche esempio?
Psycho (1998), copia carbone del capolavoro di Hitchcock, girata inquadratura per inquadratura, ma senza la minima tensione.
Oppure Planet of the Apes (2001), che con tutto il rispetto per Tim Burton, è riuscito a confondere e annoiare.
E ancora The Fog (2005), Il Prescelto (2006), Invasion (2007), fino al remake Ben-Hur del 2016, forse l’esempio più lampante di quanto si possa sbagliare bersaglio.
Lì, più che un film, sembrava un autogol: rifare uno dei più grandi kolossal della storia del cinema, vincitore di 11 Oscar, senza nulla da dire di nuovo… perché? Ma attenzione: demonizzare tutti i remake sarebbe ingiusto.
Perché esistono anche esempi eccellenti, capaci di prendere una storia già nota e trasformarla in qualcosa di nuovo, potente, magari anche superiore all’originale.
Penso a L’uomo che sapeva troppo (1956), rifatto dallo stesso Hitchcock in modo più maturo e sofisticato.
A La Cosa di Carpenter (1982), che ha preso un B-movie degli anni ’50 e lo ha reso un capolavoro dell’horror paranoico.
A Dracula di Bram Stoker (1992), elegante e visivamente sontuoso.
A Casino Royale (2006), che ha rigenerato il mito di James Bond con un realismo crudo e moderno.
Oppure a film più recenti come Il Grinta (2010) dei fratelli Coen, e 21 Jump Street (2012), che ha trasformato una vecchia serie in una commedia brillante e autoironica. Questi film non solo funzionano, ma dimostrano che un remake può essere anche un’opportunità: per rinnovare, riscoprire, reinterpretare.
Anzi, c’è un ulteriore aspetto positivo emerso negli ultimi anni: la saturazione del mercato ha spinto le major a cercare nuove idee anche dentro vecchie storie.
Per distinguersi, oggi bisogna fare uno sforzo in più: servono registi con visione, sceneggiatori capaci di reinventare i personaggi, produttori disposti ad osare (almeno un po’). Non sempre accade, ma quando succede… si vede.

E così, anche dentro operazioni apparentemente commerciali, possiamo trovare qualità, cura, persino passione.
Certo, spesso si fa leva sull’effetto nostalgia — vedi Jurassic World o Il Risveglio della Forza — ma se la confezione è buona, se la regia ha ritmo, se la storia, pur semplice, sa emozionare… allora va benissimo così.

In conclusione?
La domanda “remake sì o no?” non ha una risposta netta. Come sempre, dipende.
Dipende da chi lo scrive, da chi lo dirige, da che tipo di film si vuole realizzare. Ci vuole un’alchimia: un progetto pensato, costruito con un minimo di visione e rispetto per il materiale di partenza. Solo così si può ottenere qualcosa che abbia senso — vecchio e nuovo insieme.

Noi spettatori? Possiamo solo fare il nostro dovere: guardare prima, giudicare poi.
Esce un reboot della tua saga preferita? Guardalo. Se ti delude, criticalo pure con forza. Ma se invece ti sorprende… beh, magari lo ringrazierai.

Perché sì, esistono i film d’autore, quelli difficili, coraggiosi, unici. Ma esiste anche l’intrattenimento ben fatto, capace di farci ridere, emozionare, riflettere.
E anche lì può nascondersi la “settima arte”.
Io stesso mi sbaglierei a giudicare La Bella e la Bestia ancor prima di vederlo. Se vorrò davvero dire la mia, dovrò aspettare di avere davanti il film. Poi, se non mi piace, pazienza: l’originale non sparisce. Resta lì, intatto.

In ogni caso, ricordiamoci una cosa: il cinema è grande perché è per tutti.
E non ha senso mettersi su un piedistallo a dire “i film di supereroi non sono cinema”, o “quella roba è per menti semplici”. Che senso ha? Per sentirsi migliori? Per dire “io sono raffinato, voi siete pecore”?

No, grazie.
Perché il bello del cinema è proprio questo: offre storie per tutti i gusti. E può parlare a tutti, in modi diversi. Basta volerlo ascoltare.

Come disse Voltaire:

“L’originalità non è altro che un’abile imitazione.”
E a volte, dietro un remake apparentemente inutile, si nasconde proprio quella scintilla. Sta a noi scoprirla.

A sud delle Higlands crescono molte cose: erica, felci, muschio, graminacee, fiori e piante. In altre zone si trovano cardi, sassifraghe, salici e rododendri. Sterminate distese di erba verde e grassa danno da mangiare a centinaia di greggi e un po’ dappertutto la flora smeraldina, tipica della Gran Bretagna riempie gli occhi. Poi però, scendendo fino ad arrivare dalle parti di Glasgow, possiamo vedere con una certa soddisfazione, che oltre alla  flora, sono cresciuti in salute, creativa e immaginazione anche tre signori scozzesi.

Tre autoctoni a cui un giorno cadde in testa un frammento di Kryptonite.

“Il tuo viaggio sul sole ti ha esposto a livelli critici di radiazione stellare. È più energia di quanto le tue cellule possano trasformare. È iniziata l’apoptsosi. La morte cellulare. Finisce solo in un modo, anche per te”

Con questa frase, il Dottor Leo Quintum, da poco tratto in salvo da Superman in seguito ad una fallita missione d’esplorazione sul sole (in realtà sabotata da Lex Luthor), annuncia all’uomo del domani che di domani ne vedrà ancora pochi.

Superman ha solo dodici mesi di vita.

Una volta assimilata la notizia, Kal-El sente da subito il bisogno di sciogliere tutte le questioni irrisolte e lasciate in sospeso nella sua vita. Alcune richiederanno una soluzione ai limiti del concepibile, come ad esempio l’eterno problema di Kandor ultima città del suo pianeta ridotta a vivere in forma miniaturizzata. Saranno invece il rapporto con Lois Lane e l’amico Jimmy Olsen, nonché il confronto con la sua nemesi, Lex Luthor, gli aspetti più umani e struggenti.

Con questo semplice incipit Grant Morrison, getta le basi per una delle storie più profonde, meravigliose e umane che siano mai state scritte per l’ultimo figlio di Krypton; All Star Superman.

 

A Grant, però serve aiuto. Così prende la mira, lancia il frammento di Kryptonite con cui si stava trastullando e colpisce in testa Frank Quitely. La voce del lanciatore arriva alle orecchie di Frank prima ancora che il poveretto riprenda i sensi. Grant non riesce a trattenersi e sta già raccontando tutta la storia al povero disegnatore ancora semi stordito. L’effetto è quello combinato dei sali, otto tazze di caffè e una serie di pizzicotti inflitti con precisione chirurgica.

La questione è molto semplice: serve un disegnatore

Uno davvero molto bravo.

Frank fa la punta alla matita e in un attimo riesce in ciò che fino a oggi era riuscito solo a Christopher Reeve. Farci credere che Clark Kent e Superman siano due persone completamente diverse. Al punto che perfino Lois rifiuta di crederci, pensando piuttosto a uno scherzo orchestrato per il suo compleanno.

Ci vuole un attore eccellente per convincere tutti che un contadinotto di un metro e novanta, dalla postura ingobbita e più goffo di un anatroccolo, sia in realtà uno degli esseri più potenti dell’universo.

Frank Quitely riesce a impregnare Clark Kent di questa dote recitativa, semplicemente rimarcando le sue origini terrestri, ed ecco che il pavido giornalista non è più un personaggio minuto e fragile, ma un corpulento contadino a disagio con gli spazi stretti della città. Urta oggetti, inciampa nei fili della corrente e fa cadere le cose addosso alle persone. Ogni vignetta va riletta diverse volte perché solo così ci si accorge di tutti i dettagli. Come ad esempio che la “goffaggine” del signor Kent è tutt’altro che casuale. Quelli che in apparenza sono dei semplici incidenti, sono invece dei veri e propri salvataggi che il kryptoniano celato dietro gli occhiali, non smette mai di compiere.

Leggendo bene la copertina, potrete notare che c’è un terzo nome. Nemmeno a dirlo si tratta di un altro scozzese di Glasgow, Jamie Grant. E’ coetaneo di Frank, ma dotato di riflessi migliori. Riesce ad afferrare il sasso kryptoniano prima che lo colpisca in testa. Subito vede che è arrotolato dentro un foglio su cui si legge un messaggio di una sola parola: COLORE.

Jamie spiana il foglio, scrive una risposta e rimanda il sasso al mittente: OKAY… MA SOLO QUATTRO.

La singolarità della risposta non crea alcun dubbio nella testa degli altri due scozzesi, perché sanno entrambi che il loro concittadino non è un semplice Colorist ma l’artista che potrà fare emergere la terza dimensione dalle matite di Quitely. La magia si completa e quel prestigiatore del colore digitale che è Jamie Grant, impregna le tavole di un stile capace di essere retrò e moderno insieme.

All Star Superman è un capolavoro che fa molto più che essere tale. E’ un capolavoro per tutti.

Non importa quanto ne sappiate sull’uomo d’acciaio o se la vostra preparazione è ferma agli anni settanta. Tra questi dodici volumi è impossibile perdersi per strada, perché Morrison ha parlato oggi del Superman di ieri che tutti conoscono, Quitely lo ha disegnato in modo così straordinario che ogni tavola meriterebbe di essere incorniciata e appesa alle pareti di casa e Grant lo ha reso vivo è reale con una colorazione semplicemente magistrale.

Fermate le rotative, gente procuratevi una copia di All Star Superman e stendetevi sole e leggere.

State solo attenti a non scottarvi.

Il momento più temuto dagli studenti di tutto il mondo è arrivato… di nuovo. Fosse poi solo una preoccupazione degli studenti, non sarebbe tanto grave. Altri pilastri della loro vita quali, genitori, insegnanti e istituzioni provvederebbero a mantenere toni calmi e rassicuranti.

Ma i genitori, gli insegnanti e le istituzioni, sotto sotto hanno pure più paura degli studenti e in una società organizzata questo dovrebbe dare da pensare.
Insomma… si torna a scuola!

Un altro Anno Scolastico è iniziato, sebbene questo abbia tutta l’aria d’essere più frastornato e sognante del solito.

Si è svegliato al suono di un rumore fastidioso e intermittente così acuto, che penetra i sogni come un coltello da burro… beh nel burro. L’origine del suono è un mistero la cui soluzione si trova appena oltre la soglia cosciente, così il nuovo Anno Scolastico ci mette un po’ a capire che si tratta della sveglia. Non ricorda nemmeno dove l’abbia messa e raggiungere il pulsante di pausa comporta l’abbattimento di diversi oggetti disposti in ordine sparso sul comodino. Muraglia quasi invalicabile tra il letto e la sveglia, nonché fonte ispiratrice per i primi cristoni della stagione. Rassegnato, si strofina gli occhi e si alza, senza capire bene cosa sta succedendo. Guarda fuori dalla finestra e la confusione continua. Sì perché l’estate, quella burlona, si ostina a non lasciare il posto all’autunno, proseguendo caparbia nella produzione di giorni soleggiati e caldi.

Allora perché la sveglia ha suonato?

Soltanto il calendario, su cui finalmente L’Anno Scolastico posa lo sguardo, svela l’arcano.
Il calendario. L’unica invenzione della storia ad avere la capacità di gettare nel panico anche il più ardimentoso degli individui.
Basta una X rossa su una data qualunque ed è finita.
Non importa quanti mesi prima la scrivi.
Quando ci arrivi, non sei mai pronto.

L’Anno Scolastico vorrebbe piangere. Era sicuro che questa volta ce l’avrebbe fatta. Aveva pianificato tutto. Si era tanto raccomandato con il governo e le istituzioni. “Gli altri paesi ci guardano” aveva detto “mostriamo loro che possiamo farcela”… e invece niente. L’Anno Scolastico non è pronto.

Si rituffa sotto le coperte e mette la testa sotto il cuscino, fermamente intenzionato a dormire per i sette minuti che lo separano dalla prossima scarica di trilli della sveglia. Tanto oggi nessuno arriverà in orario da nessuna parte.
Gli viene da pensare a come sarebbero le cose se lui fosse l’Anno Scolastico di un altro quando o di un altro dove e con questa domanda in testa si addormenta.Il nuovo anno scolastico sogna.
Tuttavia, sono i protagonisti degli altri dove a ritrovarsi catapultati nel nostro quando e subito si capisce che non sarà una festa. L’annuale lettera per Hogwarts, con la lista dei libri non è mai stata consegnata, così Harry Potter ha dovuto passare la settimana precedente cercando il modo di contattare la segreteria della scuola senza farsi scoprire dai suoi zii. Tutta colpa del Ministero della Magia e delle sue riforme sull’istruzione.
Quando finalmente Harry e amici entrano in possesso della lista, è troppo tardi. I libri sono tutti esauriti e occorre aspettare almeno un mese prima che arrivino. Un fatto di per sé curioso è che molti altri studenti sono riusciti a procurarseli per tempo. Come per magia… Ah già si… giusto.
Beh, poco male, pensa Harry. Tanto mancano i docenti.
A causa della famigerata “Riforma del sistema stregonesco di insegnamento e formazione e mandato per il rimaneggio delle disposizioni magiche operanti”, chiamata dagli studenti anche legge Chizpurfle, non è più soltanto il posto d’Insegnate di Difesa contro le arti Oscure a essere vacante, ma anche parecchi altri.
In uno slancio di perversione extra, il Ministero della Magia ha deciso che sarebbe stato più divertente assegnare gli incarichi di anno in anno, e dato che il Ministero è un organo statale, ci sono dei leggerissimi ritardi che non consentono l’inizio delle lezioni con l’organico dei docenti al completo.
Per dirla tutta gli insegnanti di Incantesimi e Storia della Magia sono assenti a causa di un improvviso deterioramento del loro stato di salute. Sono costretti in un luogo di villeggiatura caldo e secco fino a ripresa completa. Essendo di ruolo, mica puoi sostituirli così, su due piedi.
Dato che la legge Chizpurfle, contiene un paragrafo sulle pari opportunità, il posto come docente di Babbanologia è stato affidato ad un professore babbano di Oxford, tuttora persuaso di aver partecipato a un paio di festini di troppo.
Gli studenti poi che non hanno residenza a Hogwarts hanno qualche difficoltà a raggiungere la scuola, per via dei tagli. Niente più autobus a tre piani, né cavalli alati invisibili. Figuriamoci Ford Anglia volanti.
Ci si deve organizzare con le mamme degli altri studenti, quelle che hanno un scopa formato wagon, ma non sempre la cosa funziona. Non è infrequente vedere poveri maghetti sotto la pioggia in attesa di una scopa che è in ritardo a causa del traffico.
Al ritorno le cose non vanno meglio, perché l’orario ridotto dei primi giorni, non coincide con l’orario d’ufficio del Ministero, presso cui queste mamme magari lavorano, e gli studenti devono aspettare tra le grigie, austere, fatiscenti pareti scolastiche.
L’anno precedente il Ministero della Magia aveva promesso di stanziare i fondi per sistemare le aule danneggiate da anni d’incuria magica eppure, causa inagibilità temporanea, la lezione di Trasfigurazione oggi si tiene nell’aula di Pozioni, insieme con altre due classi. Volo si fa nella serra, con risultati alquanto prevedibili. L’insegnante di Divinazione terrà le lezioni in un’aula diversa ogni giorno e gli studenti dovranno indovinare da soli quale. Per settimane allievi del terzo anno sono stati visti girovagare sperduti per i corridoi di Hogwarts con una sfera di cristallo in mano e dei lacrimoni così sotto gli occhi.
La sensazione che sia sfuggito qualcosa d’importante accompagnerà studenti e professori per tutto l’anno, fino agli esami e forse il diploma.
Poi la sveglia suona ancora e l’Anno Scolastico finalmente si alza. Pronti o no, è ora di andare.
L’aria non troppo fresca del mattino gli ricorda che fino alla settimana prima le giornate iniziavano con il sole già alto nel cielo, oziose colazioni e programmi divertenti per la giornata.
L’Anno Scolastico sospirando solleva gli occhi al cielo.

Non è forse un tizio a cavallo di una scopa quello lassù che si allontana?

Si strofina gli occhi e guarda ancora. Niente. Solo un’allucinazione.

“Peccato” pensa “un po’ di magia avrebbe fatto comodo”.

Poi si rende conto che qualunque cosa fosse, stava andando nella direzione opposta alla sua. A una velocità stimata di Mach 3, ad occhio e croce.

Eh no. Se pure la magia se la dà a gambe, allora chissà che cosa ci vuole per sistemare le cose.

Alessandro Fellisi

“Il silenzio è d’oro.”, questo ci è stato insegnato fin da bambini; ora viviamo, però in un periodo storico in cui questa vecchia “pillola” di saggezza popolare viene di fatto spazzata via, soffocata in un coro di grida e pensieri di persone che in tutti i modi si affannano per esprimere la propria sacrosanta libertà.

(…)Non dare ai tuoi pensieri la lingua, nè il suo compimento ad alcun pensiero fuori di proporzione: cerca di essere semplice e cordiale con tutti, ma non fino al punto d’esser volgare. (…) Concedi a ognuno il tuo orecchio, ma a pochi la tua voce. Accetta l’opinione di tutti, ma fa’ un uso parsimonioso del tuo giudizio.(…) 

 

Amleto (atto I, scena III)

 

Storicamente, mai come oggi, il concetto stesso di libertà d’espressione è stato di portata tanto ampia. La nostra società stessa si vanta d’essere una società libera e migliaia volte questa parola tanto bella e tanto terribile “LIBERTÀ” ci viene costantemente rivomitata addosso da tutte le direzioni.
Mi sorge però un dubbio: si può essere schiavi della libertà che tanto ci ossessiona?
E poi ancora mi chiedo: esiste un limite oltre il quale non sia giusto andare? Giusto, badate bene! Non possibile.
Esistono delle invisibili “colonne d’Ercole” oltre le quali la nostra libertà o il nostro impulso, per quanto giusto o nobile non diventi (auto)distruttivo?

Scrivo queste righe d’impulso, sull’onda dell’emozione, ma esse sono frutto di una profonda e lunga meditazione che ha radici ben più profonde dei fatti di cronaca che oggi smuovono le acque virtuali di internet. Sono convinto che tra un mese, sei mesi, un anno potrò prendere questo stesso articolo e rileggerlo e trovarlo attuale tanto quanto oggi, quando sarà piombato un nuovo macigno a far rimescolare lo stagno in cui noi tutti navighiamo.
Libertà di pensiero. Libertà di parola. Libertà di espressione. Libertà d’informazione.
Parole chiave dei nostri giorni dove la protagonista è, inutile dirlo, sempre lei: la Libertà. Abbiamo consacrato il concetto stesso di libertà come non plus ultra della civiltà e ci siamo erroneamente convinti di averlo raggiunto per il semplice fatto che ognuno di noi può, in qualsiasi istante, dire ciò che pensa al mondo intero. Fantastico. Incredibile. Quasi magico.
Ma… necessario?
Tutti possiamo parlare di tutto a tutti, ma è veramente necessario che tutto il mondo sappia che i gattini mi fanno ridere?
Ci vantiamo di avere la più grande libertà d’espressione di tutti i tempi e poi dobbiamo sperperarla su Ogni. Singola. Cosa.
Crediamo che semplicemente pre(o post)mettendo la frase “ma questa è solo una mia opinione” veramente sia giusto mettere bocca su qualsiasi argomento ed ergersi a giudice, giuria e boia di qualsiasi evento, grande o piccolo.

Non ci rendiamo conto che noi stessi facciamo da grancassa a quelle stesse cose che disprezziamo non facendo altro che parlarne? Gli antichi romani avevano un’usanza che mi ha sempre affascinato: la dannatio memoriœ. Una pena, riservata solo ai più grandi nemici di Roma o del Senato che consisteva nella dimenticanza totale del condannato. Chi commetteva gravi colpe veniva così letteralmente cancellato dalla storia perché di esso andasse perso persino il nome.
Oggi più qualcosa ci indigna e ci infuria, più costruiamo monumenti e mausolei mediatici di ciò contro cui tanto violentemente ci battiamo e così facendo altri inzieranno a parlarne per suscitare nuovamente la nostra reazione e così via finché la vacca grassa della libertà di parola non verrà munta sino a stillarne l’ultima goccia di sangue.

Siamo così ossessionati dalla libertà di parlare che abbiamo dimenticato di domandarci se a volte non sia preferibile il silenzio. Innalziamo a eroi coloro che non guardano in faccia a niente e a nessuno pur di dire ciò che la loro sacra libertà gli impone e ci siamo dimenticati quel vecchio concetto per cui (forse) la mia libertà finisce quando va a ledere quella di un altro essere umano. E non ditemi che le parole non feriscono: le parole possono ferire, possono persino uccidere.

“Le parole sono pistole cariche” (Brice Parain)

Non esistono persone, quale che sia la veste in cui si pongono (critici, censori, satirici, politici, saggi, santi) che DEVONO per forza dire TUTTO quello che pensano.
La libertà di parola è qualcosa di meraviglioso ed immenso, ma continuando ad abusarne, nascondendoci col già citato “ma questo è solo il mio pensiero” non otterremo altro che di perderci in un’orgia di parole vuote al termine della quale la nostra tanto decantata libertà e le parole stesse avranno definitivamente perduto qualsiasi significato.

Amiamo tanto vantarci del nostro diritto a dire tutto quello che vogliamo, forse è tempo che iniziamo a preoccuparci del nostro (come si dice nei polizieschi) diritto a rimanere in silenzio.

Abbiamo, tra le altre, la libertà del silenzio. Forse usandola più spesso, le parole che pronunceremo poi, ricominceranno ad avere un vero significato.

Con l’uscita di 10 Cloverfield Lane torna alla mente un modo diverso di promuovere il cinema. Nell’era del marketing asfissiante, dove trailer e teaser ci fanno sentire di aver già visto un film prima ancora che esca in sala, il fenomeno Cloverfield resta qualcosa di insolito e, ancora oggi, quasi irripetibile. E non perché non ebbe successo, anzi…

Correva l’anno 2008, gennaio per la precisione. Ricordo bene l’attesa febbrile per un film come non succedeva da tempo. Non era un nuovo Star Wars o Jurassic Park (per quelli avrei dovuto aspettare altri sette anni), ma un monster movie girato in stile mockumentary, tutto con camera a mano. Nulla che da solo potesse spiegare tanto hype. La risposta stava nella strategia di marketing virale che aveva reso Cloverfield un fenomeno di massa.

Cloverfield (2008): il mistero come strategia di marketing

Due o tre mesi prima dell’uscita (18 gennaio negli USA, 1 febbraio in Italia), il film venne annunciato senza titolo. Le uniche certezze: il produttore J.J. Abrams, la regia documentaristica e la location, New York sotto attacco di un nemico ignoto. Punto.

Il risultato? Una pioggia di domande: chi stava distruggendo la città? Un esercito? Un alieno? Un mostro enorme? Non sarà mica Godzilla?

Per aumentare l’attesa, la produzione mise in piedi una campagna virale senza precedenti. Oltre al sito ufficiale con indizi nascosti, apparvero pagine web apparentemente scollegate ma legate all’universo narrativo. C’erano le pagine MySpace dei personaggi, il sito della multinazionale Tagruato (ancora oggi online), quello della bibita Slusho (già vista in Alias e Star Trek) e persino video di attivisti fittizi dei T.I.D.O. Wave, nemici della Tagruato.

A due settimane dall’uscita, comparve su YouTube un finto servizio TV sull’esplosione della piattaforma Chuai. Non spiegava nulla, ma accendeva nuove teorie. Un mosaico perfetto che trasformava Cloverfield in un puzzle narrativo transmediale.

Lo shock in sala: un Monster Movie diverso!

Al cinema, lo spettatore si trovava davanti a un finto filmato del Governo americano, ripreso con videocamera amatoriale e ritrovato a Central Park. Una scelta che aumentava il senso di realismo e mistero.

La trama era semplice: più che altro bisognava scappare. Ma in mezzo alla fuga emergevano anche rapporti umani, come quello tra il protagonista e la sua ragazza. Eppure la vera forza non stava negli 85 minuti di pellicola, ma in ciò che il film era diventato: un fenomeno virale che coinvolgeva il pubblico ben oltre la sala.

Risultato finale? Notevole, veramente notevole.

 

10 Cloverfield Lane: il sequel segreto

Nel 2016 arrivò 10 Cloverfield Lane, e ancora una volta la strategia fu sorprendente. Il film, sviluppato sotto il titolo in codice Valencia, venne presentato come “sequel” solo a meno di due mesi dall’uscita, con un trailer spiazzante.

Questa volta, però, niente mostro a piede libero. Il film era un thriller claustrofobico ambientato in un bunker, con tre personaggi principali: Michelle, Howard ed Emmet. Howard sostiene che il mondo esterno sia stato attaccato, ma la sua ambiguità lascia dubbi continui.

Il bello di 10 Cloverfield Lane non era solo la tensione narrativa, ma la capacità di alimentare il mito del “fenomeno Cloverfield”, giocando di nuovo con il mistero e con un marketing che preferiva sorprendere invece che svelare.

Cloverfield e il futuro del marketing virale

E oggi? Sarebbe possibile replicare Cloverfield? Tenere nascosto l’aspetto di un mostro fino al giorno dell’uscita? Difficile.
Il cinema contemporaneo tende a bruciare ogni sorpresa: teaser, trailer, clip, backstage, sneak peek. Rischiamo di sapere già troppo ancora prima di entrare in sala. Eppure, il successo di Cloverfield dimostra che il pubblico ama il mistero, e che un marketing virale intelligente può generare hype senza esagerazioni.
Sia Cloverfield (2008) che 10 Cloverfield Lane (2016) restano esempi geniali di promozione alternativa. Produttori, prendete appunti: non sempre serve mostrare tutto per conquistare il pubblico.