Quando Netflix ha lanciato Cyberpunk: Edgerunners, in molti pensavano fosse solo un simpatico spin-off ambientato nell’universo del videogame Cyberpunk 2077. In realtà, col senno di poi, possiamo dirlo senza troppi giri di parole: quell’anime ha in gran oarte salvato il videogioco.

Ricordiamolo: al lancio del 2020, Cyberpunk 2077 era atteso come il nuovo miracolo di CD Projekt Red, la stessa software house che ci aveva regalato The Witcher 3. Poi, la doccia fredda (nostra in primis): bug a valanga, meme infiniti, e persino il soprannome “Cyberbug 2077”. Il sogno di tanti di vivere in un vero meta-universo in stile cyberpunk popolato, libero e vivo era già morto e sepolto.
Due anni dopo ecco l’imprevisto: il 13 settembre 2022 Edgerunners approda su Netflix e in dieci episodi firma un record clamoroso successo di critica e pubblico che non solo conquista le classifiche dello streaming, ma trascina con sé il videogioco. Nel giro di una settimana, un milione di giocatori al giorno tornano a passeggiare tra le luci al neon della città. Patch e update avevano già migliorato il titolo, certo, ma il vero “boost” lo ha dato l’anime: improvvisamente Cyberpunk 2077 non era più solo un gioco controverso, ma un’esperienza da riscoprire.

La forza di Edgerunners sta tutta nella sua semplicità: racconta Night City senza fronzoli, con gli occhi di David Martinez, ragazzo comune catapultato in un mondo dove basta una micro-decisione sbagliata per finire schiacciati. L’anime non reinventa nulla, ma rende palpabile quell’atmosfera che nel videogioco era stata a volte soffocata dai bug e dalle aspettative irrealistiche.

E qui scatta la magia: per chi aveva già giocato, Edgerunners è stata la scusa perfetta per tornare a Night City, magari provando le nuove mod ispirate alla serie o i contenuti cosmetici aggiunti con le patch. Per chi invece non aveva mai toccato il pad, la serie è diventata un portale di ingresso, un trailer lungo 10 episodi che ha spinto a comprare il gioco. Una sinergia rara, che ha trasformato un anime in marketing organico da manuale.

Il lato tecnico: Trigger + CDPR, una combo esplosiva

Studio Trigger, con il suo stile schizofrenico e acido, ha reso giustizia al caos visivo di Night City: neon, protesi, corpi potenziati che si muovono come flash epilettici. Non sempre l’animazione è perfetta, ma il colpo d’occhio resta devastante. Il character design – Lucy, Rebecca e lo stesso David – è entrato subito nell’immaginario collettivo, tanto che le mod ispirate a loro sono comparse nel gioco praticamente in tempo reale.

Dall’altro lato, CD Projekt Red non è rimasta a guardare: patch e aggiornamenti hanno integrato funzionalità cosmetiche ispirate all’anime, oltre a miglioramenti tecnici sul gameplay e, in seguito, persino il supporto al Ray Tracing Overdrive su PC. Insomma, mentre l’anime accendeva i riflettori, il team sistemava le fondamenta: perfetta tempistica.

Un successo a due vie

Il fenomeno Edgerunners ha dimostrato che videogiochi e serie animate possono alimentarsi a vicenda. Netflix ha dato nuova linfa a un brand che rischiava di finire nel dimenticatoio, mentre Cyberpunk 2077 ha offerto ai fan la possibilità di vivere quell’universo in prima persona. Un doppio binario che ha generato un effetto valanga: Edgerunners è diventata la porta di accesso, il videogioco la prosecuzione naturale.

E i numeri parlano chiaro: le classifiche Steam hanno visto Cyberpunk 2077 tornare nella top ten, con il record di giocatori contemporanei più alto dai giorni del lancio. In poche settimane, il titolo è passato dall’essere “il grande flop” a un cult da riscoprire.
Ma perché funziona così bene?
Perché Edgerunners non è solo estetica tamarra e sparatorie spettacolari. È un racconto di fallimento, sacrificio e sogni infranti, che rispecchia il cuore stesso del videogioco. Night City è una metropoli che illude, seduce e poi divora: lo sanno bene i giocatori che hanno passato ore a personalizzare il proprio V e si sono visti inghiottiti dallo stesso meccanismo.
L’anime prende questo concetto e lo rende universale: David non è diverso da noi. È solo un individuo che cerca di sopravvivere in un mondo che non ha alcun interesse per la sua felicità. Ed è forse questa la chiave del successo: vedere riflessa nella sua caduta la nostra stessa vulnerabilità.

Alla fine, possiamo dirlo: Cyberpunk: Edgerunners non ha solo raccontato una storia, ha rianimato un intero universo narrativo. Ha fatto quello che nemmeno le patch più corpose di CDPR erano riuscite a fare: restituire desiderio, hype e soprattutto emozione ai giocatori.

E se oggi Cyberpunk 2077 è tornato a essere giocato, discusso e amato, lo dobbiamo soprattutto a dieci episodi di anime che hanno ricordato a tutti una cosa semplice: Night City è crudele, imperfetta e devastante, ma è impossibile smettere di tornarci.

Chi avrebbe mai immaginato, qualche decennio fa, che un “semplice” videogioco action/horror e survival, avrebbe potuto generare un tale strascico di discussioni e polemiche?

Fin da subito l’annuncio della trasposizione televisiva di “The Last of Us” ha fatto sognare i fan e ha suscitato un grande interesse nel mondo dell’intrattenimento. In un’epoca in cui i formati comunicativi si ibridano sempre più, ampliando e allargando i confini di chi è il destinatario di una produzione, si vuole condividere e condividere una storia, una lore, con il pubblico più vasto possibile. “The Last of Us” è un esempio di questo fenomeno, dove una narrazione originariamente destinata ai videogiocatori si è diffusa attraverso la serie TV in streaming.

Il successo di questa dinamica è in parte attribuibile anche a trionfi commerciali come l’Universo Cinematografico Marvel, noto come MCU, che ha iniziato a dominare i cinema a partire dal 2008, per poi infiltrarsi nelle nostre case attraverso le serie TV in streaming, facilitando così questa tipologia d’ibridazione di media diversi. L’idea di amalgamare e far interagire diverse forme ludiche tra di loro non è certo un concetto nuovo, basta prendere in esempio l’universo di Star Wars, creato da George Lucas, oppure i numerosi manga che sono stati trasformati in anime e successivamente adattati in film in live action. Oppure il cult letterario di Lovecraft, il quale ha ispirato una varietà di prodotti influenzati dalla sua narrativa pressoché infinita. Questa tendenza si estende oltre, a volte inaugurando interi generi come nel vasto mondo fantasy ideato da Tolkien, che ha dato origine a tre film di successo e a una serie TV prodotta da Amazon, considerata tra le più costose della storia, nonché per l’appunto al genere “fantasy” come lo conosciamo oggi.

Detto ciò, cos’è che rende “The Last of Us”, così straordinario? Forse perché nasce videogame poi portato sul piccolo schermo? Eppure, non è certo il primo videogame a essere stato portato sul piccolo-grande schermo o piccolo schermo, ci sono già stati vari tentativi di sconfinamento del media, basti pensare ad Halo (fortunata serie sparatutto emblema di Microsoft per quanto riguarda il gaming) che però non hanno avuto tutta questa fortuna… nonostante vanti tantissimi romanzi derivanti e più di una serie tv all’attivo.

Possiamo quindi affermare che, a differenza di altri casi, l’interesse per questo peculiare titolo stia proprio nella complessità  nonché maturità dei temi illustrati al suo interno, che come un “pugno nello stomaco” sono esposti al pubblico, grazie anche a uno stile crudo e violento di cui è permeata la narrativa.
Questa particolare caratteristica ha suscitato molte polemiche in vari paesi in cui il gioco è stato rilasciato nel corso del tempo. Da quel momento in poi, il titolo ha attirato a sé non solo dibattiti accesi, ma anche episodi estremamente gravi, che sfidano in alcuni casi ogni logica di comprensione. Tra questi deprecabili episodi, spiccano le spiacevoli e gravi aggressioni verbali (e non) contro la doppiatrice Laura Bailey e l’attrice Jocelyn Mettler, la quale presta il suo volto per il motion-capture del personaggio di Abby. Queste professioniste hanno subito ingiustificate reazioni di odio e minacce online da parte di alcuni membri della fanbase del gioco, esaltati che probabilmente confondono realtà e finzione, generando una sorta di linciaggio mediatico e persecutorio, così pesante e persistente che continua tutt’ora. Questo fenomeno inquietante solleva interrogativi importanti sulla complessa relazione tra i fan e l’industria video-ludica.

Dopo il lancio della serie televisiva le diatribe non hanno fatto altro che intensificarsi, in gran parte dovuto al fatto che una serie TV attira sicuramente un pubblico più ampio rispetto a quello dei videogiochi. Il titolo ideato da Neil Druckmann ha suscitato non poche polemiche e discussioni incentrate sulle sue (presunte) tematiche a sostegno delle teorie LGBT+, in cui rientra la gaffe radiofonica del giornalista Rai Paolo Mieli, che non ha chiaramente basi di cultura video ludica sull’universo narrativo targato Naughty Dog, tanto più che confonde addirittura il titolo del gioco con la casa di produzione.
Per alcune persone la serie è stata vista come un manifesto, uno spot “elettorale” a favore della teoria gender e di chi vuole portare alla luce queste tematiche sensibili, concentrandosi, come per altri casi, più sulle caratteristiche dei personaggi che sulla trama in sé o sulla “morale” che essa vuole far trapelare.
Senza voler addentraci nel tema in se, dove ciascuno riteniamo debba avere la propria personale sensibilità e il suo punto di vista, crediamo che sia la serie video-ludica che la serie televisiva semplicemente non trattino l’argomento in sé. Capiamoci alcuni personaggi principali e secondari hanno chiaramente (e legittimamente vorremmo dire ndr.) un certo tipo di orientamento sessuale, ma la trama non verte su quello è una tematica solo di sfondo e ne è riprova il fatto che, con un po’ di fantasia, immaginando di cambiare l’orientamento sessuale dei personaggi a 100% etero (con ovvie modifiche al sesso del partner corrisposto) la trama principale in sé funzioni in egual misura e abbia gli stessi crismi e peculiarità: provare per credere.
The Last of Us tocca spesso, a volte senza affrontarle nel concreto, tematiche complesse e profonde: questioni sociali e traumi psicologici, dalla paura del diverso alla depravazione, dallo stupro a perfino il cannibalismo.
Lo stesso titolo l’abbiamo “letto”, tradotto e interpretato per quello che forse è il concetto chiave che pervade la serie volendo imprimere un focus per stimolare una riflessione ovvero l’essenza dell’essere umani: “Gli ultimi di noi”: inteso gli ultimi essere umani a essere rimasti umani, nella propria umanità. Perché la storia è ambientata in un mondo post apocalittico in cui una vera e propria pandemia globale ha spazzato via la civiltà umana riducendo l’umanità sull’orlo dell’estinzione con pochissimi umani sopravvissuti e ridotti a uno stato degradato costellato di comunità superstiti allo stato quasi tribale, spesso violenti, con vari gruppi che si scontrano per prendere il potere o per le risorse. Tutto questo caos apocalittico a differenza di altri contesti in tema zombie è scaturito dall’infezione causa dal Cordyceps, organismo parassitario fungino realmente esistente in natura, che tende a prendere il controllo delle proprie vittime letteralmente “zombificandole”.

Prima di “The Last of Us”, pochi conoscevano l’esistenza del fungo Cordyceps, un organismo affascinante e spaventoso che, nella realtà, attacca solo alcune specie di formiche. L’idea di ispirarsi a un organismo reale aggiunge un tocco di autenticità e originalità alla narrazione. Neil Druckmann, il creatore del gioco e della serie Tv, ha reinterpretato a suo modo e umanizzato il concetto stesso di zombie, come dimostrato dagli infetti chiamati “stalkers”: questi infetti, al loro stadio, lottano tra la coscienza umana rimanente e il controllo sempre più opprimente e doloroso del parassita, in alcuni casi quasi cercando di trattenersi dall’attaccare gli umani o per lo meno indugiando. Questo denota un approccio molto profondo a quello che fin a prima è stato un modo molto “pop corn” e caciarone di concepire la figura dello zombie.
Proprio per questo crediamo che The last of Us sia un medium ludico di spessore e non bisogna certo fermarsi agli aspetti polemici che involontariamente (o meno ndr.) ha scatenato.
Sarebbe auspicabile concentrarsi sulla bellezza artistica e poetica che trasmette il brand senza ogni volta vincolarsi a (anche legittimi) pensieri e visioni personali, perché perdersi questa serie, sia che si parli di videogame o di videogioco è prima di tutto perdersi un opera espressiva ricca di emozioni e sfumature.

In conclusione, l’evoluzione di “The Last of Us” dall’universo del videogioco alla serie TV ci offre una prospettiva affascinante su come la narrativa possa attraversare diversi medium e coinvolgere un pubblico sempre più vasto. Questo fenomeno ibrido segna un nuovo capitolo nell’interazione tra giochi, serie TV e cinema, aprendo la strada a ulteriori esplorazioni. Naturalmente se ci si apre a un pubblico più vasto critiche polemiche e fraintendimenti vanno tenuti in conto, ma è un fattore

C‘è chi lo chiama film horror, chi lo definisce dramma familiare mascherato da incubo gotico. La verità è che The Babadook (2014), opera prima di Jennifer Kent, è entrambe le cose. Un film che non solo spaventa, ma che ti si incolla addosso come un’ombra difficile da scrollarsi via. Non il solito jumpscare usa e getta, ma un viaggio viscerale dentro le crepe dell’animo umano.

Una madre, un figlio e un mostro (forse immaginario)

Al centro della storia troviamo Amelia (Essie Davis), madre vedova che cerca di crescere il figlio Samuel (Noah Wiseman) dopo la tragica morte del marito, avvenuta proprio il giorno della nascita del bambino. Samuel non è un figlio facile: urla, crisi isteriche, ossessioni. Amelia, logorata dalla solitudine e da un lavoro alienante in una clinica, lotta quotidianamente per tenere insieme i pezzi della sua esistenza.

Ed è in questo scenario che compare lui: il Babadook, un inquietante “babau” con cilindro e mani ad artiglio, introdotto da un misterioso libro pop-up per bambini che sembra scriversi da solo, pagina dopo pagina, predicendo orrori sempre più personali. Un’estetica che mescola il tratto cartoonesco dei libri illustrati al terrore più disturbante.

Horror psicologico e metafora esistenziale

Quello che rende il film unico è la sua capacità di mescolare horror e allegoria psicologica. Il Babadook non è solo un mostro che bussa alla porta: è la materializzazione del dolore, della depressione e della rabbia repressa. È ciò che non vogliamo affrontare, ma che prima o poi torna a bussare.

La regia di Jennifer Kent evita i cliché dei soliti horror (streghe, demoni e mockumentary telefonati) e costruisce un’opera lenta, ossessiva, un’infezione che cresce sotto pelle. Non ti fa saltare sulla sedia subito: si insinua, si accumula, ti logora. Ed è lì che fa più male.

Interpretazioni da applausi

La prova di Essie Davis è semplicemente monumentale: Amelia è fragile, disturbata, esausta, ma incredibilmente viva. Ogni smorfia, ogni scatto di follia diventa credibile e devastante. Anche il piccolo Noah Wiseman sorprende, urlante e disturbante quanto basta da rendere Samuel il perfetto catalizzatore del disagio.

Il vero significato del Babadook (spoiler alert)

E qui arriviamo al cuore del film. Il Babadook esiste?
La risposta è: sì e no. È un mostro tangibile che Amelia combatte, ma anche una metafora del lato oscuro che ognuno porta dentro di sé. Non si può distruggere, non si può bruciare, non si può negare: ogni volta che cerchiamo di farlo, torna più forte.

Il finale lo dice chiaramente: non bisogna eliminare il Babadook, ma imparare a conviverci. Tenerlo in cantina, dargli da mangiare, accettarlo come parte di noi. È una lezione esistenziale travestita da horror: non si può vivere senza fare pace con i propri demoni.

Perché vederlo oggi

Uscito al Sundance 2014 e arrivato in Italia solo nel 2017 (oggi disponibile su Prime Video, CHILI e Apple TV), The Babadook è diventato un cult moderno. Un film che ridefinisce l’horror non come intrattenimento “spaventino”, ma come specchio delle nostre paure più profonde.

Se amate il cinema che va oltre il genere, se cercate un’opera capace di inquietare e far riflettere, questo film è un must. Non è solo una storia di un mostro nell’armadio: è un saggio visivo sul dolore, sulla perdita e sull’inevitabile convivenza con ciò che ci spaventa di più.

In poche parole: se lo vedi, non puoi più liberartene. Il Babadook resterà con te.

Da qualche anno, tra chi segue il cinema con un minimo di passione, si è diffusa una domanda tanto semplice quanto spinosa: “Ma perché continuano a fare remake di qualsiasi cosa?”

Di solito, la domanda ha un tono polemico, quasi rassegnato, e sottolinea la presunta carenza di creatività e originalità nei film pensati per il grande pubblico. Ma la questione è davvero così semplice? La fantasia si è davvero esaurita? Come spesso accade, la verità sta nel mezzo.

Qualche tempo fa, mentre scorrevo le solite notizie di cinema online, mi è capitato davanti il trailer del nuovo La Bella e la Bestia in versione live action, previsto per l’anno successivo. E… non l’ho guardato. Semplicemente, non mi interessava. Passano un paio di giorni, torno sullo stesso sito e trovo il titolo: “Record assoluto per il nuovo live action Disney: il trailer ha totalizzato un numero esorbitante di visualizzazioni nelle prime 24 ore!”. Quanto fosse esorbitante non lo ricordo, ma il concetto era chiaro: entusiasmo alle stelle. Io, invece, ero ancora lì a chiedermi “ma perché tutto questo clamore?”. Sarà colpa mia, pazienza.

Dopo un’altra manciata di giorni, un amico mi chiede: “Hai visto il trailer de La Bella e la Bestia? Che ne pensi?”. A quel punto ho capito che non avrei avuto pace finché non l’avessi guardato. Così ho ceduto.

E dopo averlo visto? La prima parola che mi è venuta in mente è stata: “inutile”.
Sì, inutile. Inutile rifare uno dei capisaldi dell’animazione Disney se poi si mantiene pressoché identico all’originale. Inutile per lo spettatore, che può tranquillamente rivedersi il film del 1991. Utilissimo, invece, per la Disney. Ma su questo torniamo tra poco.

La questione del remake, o del reboot, sequel, prequel e via dicendo, va avanti da anni. E ogni volta che se ne parla, saltano fuori le solite lamentele: “Basta con questi rifacimenti!”, “Stanno rovinando i capolavori!”, “Non c’è più inventiva!”. E in parte, capisco il malcontento.

Molti spettatori tendono a considerare certe opere “intoccabili”, soprattutto quando si parla di classici o cult generazionali. Altri, invece, leggono nella marea di rifacimenti la conferma che la creatività nel cinema mainstream stia progressivamente evaporando. Ma è davvero solo una questione di mancanza d’idee? Oppure, più semplicemente, una questione economica?

Spoiler: è quasi sempre una questione economica.
Le grandi case di produzione ragionano come qualsiasi altra azienda: puntano al massimo guadagno col minimo rischio. E cosa può esserci di più sicuro che investire in un titolo già conosciuto, amato, e magari nostalgicamente legato all’infanzia di milioni di spettatori? Il rischio è basso, il pubblico c’è, l’incasso (quasi) garantito.
Scandalizzarsi, ormai, serve a poco. È un meccanismo che si applica ovunque, non solo nel cinema. Eppure, questo non significa che dobbiamo arrenderci a una pioggia di remake scialbi e senz’anima.
Il problema, infatti, non è il remake in sé, ma come viene fatto.
Perché diciamolo: quando un rifacimento è fatto male, lo si nota eccome. Ed è questo il vero tallone d’Achille del sistema. In molti casi, si ha l’impressione che la nuova versione venga prodotta in fretta e furia, senza una vera idea registica, senza un’identità visiva, senza passione. Solo con l’obiettivo di sfruttare il nome. Il risultato? Film deboli, dimenticabili, a volte addirittura imbarazzanti.

Qualche esempio?
Psycho (1998), copia carbone del capolavoro di Hitchcock, girata inquadratura per inquadratura, ma senza la minima tensione.
Oppure Planet of the Apes (2001), che con tutto il rispetto per Tim Burton, è riuscito a confondere e annoiare.
E ancora The Fog (2005), Il Prescelto (2006), Invasion (2007), fino al remake Ben-Hur del 2016, forse l’esempio più lampante di quanto si possa sbagliare bersaglio.
Lì, più che un film, sembrava un autogol: rifare uno dei più grandi kolossal della storia del cinema, vincitore di 11 Oscar, senza nulla da dire di nuovo… perché? Ma attenzione: demonizzare tutti i remake sarebbe ingiusto.
Perché esistono anche esempi eccellenti, capaci di prendere una storia già nota e trasformarla in qualcosa di nuovo, potente, magari anche superiore all’originale.
Penso a L’uomo che sapeva troppo (1956), rifatto dallo stesso Hitchcock in modo più maturo e sofisticato.
A La Cosa di Carpenter (1982), che ha preso un B-movie degli anni ’50 e lo ha reso un capolavoro dell’horror paranoico.
A Dracula di Bram Stoker (1992), elegante e visivamente sontuoso.
A Casino Royale (2006), che ha rigenerato il mito di James Bond con un realismo crudo e moderno.
Oppure a film più recenti come Il Grinta (2010) dei fratelli Coen, e 21 Jump Street (2012), che ha trasformato una vecchia serie in una commedia brillante e autoironica. Questi film non solo funzionano, ma dimostrano che un remake può essere anche un’opportunità: per rinnovare, riscoprire, reinterpretare.
Anzi, c’è un ulteriore aspetto positivo emerso negli ultimi anni: la saturazione del mercato ha spinto le major a cercare nuove idee anche dentro vecchie storie.
Per distinguersi, oggi bisogna fare uno sforzo in più: servono registi con visione, sceneggiatori capaci di reinventare i personaggi, produttori disposti ad osare (almeno un po’). Non sempre accade, ma quando succede… si vede.

E così, anche dentro operazioni apparentemente commerciali, possiamo trovare qualità, cura, persino passione.
Certo, spesso si fa leva sull’effetto nostalgia — vedi Jurassic World o Il Risveglio della Forza — ma se la confezione è buona, se la regia ha ritmo, se la storia, pur semplice, sa emozionare… allora va benissimo così.

In conclusione?
La domanda “remake sì o no?” non ha una risposta netta. Come sempre, dipende.
Dipende da chi lo scrive, da chi lo dirige, da che tipo di film si vuole realizzare. Ci vuole un’alchimia: un progetto pensato, costruito con un minimo di visione e rispetto per il materiale di partenza. Solo così si può ottenere qualcosa che abbia senso — vecchio e nuovo insieme.

Noi spettatori? Possiamo solo fare il nostro dovere: guardare prima, giudicare poi.
Esce un reboot della tua saga preferita? Guardalo. Se ti delude, criticalo pure con forza. Ma se invece ti sorprende… beh, magari lo ringrazierai.

Perché sì, esistono i film d’autore, quelli difficili, coraggiosi, unici. Ma esiste anche l’intrattenimento ben fatto, capace di farci ridere, emozionare, riflettere.
E anche lì può nascondersi la “settima arte”.
Io stesso mi sbaglierei a giudicare La Bella e la Bestia ancor prima di vederlo. Se vorrò davvero dire la mia, dovrò aspettare di avere davanti il film. Poi, se non mi piace, pazienza: l’originale non sparisce. Resta lì, intatto.

In ogni caso, ricordiamoci una cosa: il cinema è grande perché è per tutti.
E non ha senso mettersi su un piedistallo a dire “i film di supereroi non sono cinema”, o “quella roba è per menti semplici”. Che senso ha? Per sentirsi migliori? Per dire “io sono raffinato, voi siete pecore”?

No, grazie.
Perché il bello del cinema è proprio questo: offre storie per tutti i gusti. E può parlare a tutti, in modi diversi. Basta volerlo ascoltare.

Come disse Voltaire:

“L’originalità non è altro che un’abile imitazione.”
E a volte, dietro un remake apparentemente inutile, si nasconde proprio quella scintilla. Sta a noi scoprirla.

Il momento più temuto dagli studenti di tutto il mondo è arrivato… di nuovo. Fosse poi solo una preoccupazione degli studenti, non sarebbe tanto grave. Altri pilastri della loro vita quali, genitori, insegnanti e istituzioni provvederebbero a mantenere toni calmi e rassicuranti.

Ma i genitori, gli insegnanti e le istituzioni, sotto sotto hanno pure più paura degli studenti e in una società organizzata questo dovrebbe dare da pensare.
Insomma… si torna a scuola!

Un altro Anno Scolastico è iniziato, sebbene questo abbia tutta l’aria d’essere più frastornato e sognante del solito.

Si è svegliato al suono di un rumore fastidioso e intermittente così acuto, che penetra i sogni come un coltello da burro… beh nel burro. L’origine del suono è un mistero la cui soluzione si trova appena oltre la soglia cosciente, così il nuovo Anno Scolastico ci mette un po’ a capire che si tratta della sveglia. Non ricorda nemmeno dove l’abbia messa e raggiungere il pulsante di pausa comporta l’abbattimento di diversi oggetti disposti in ordine sparso sul comodino. Muraglia quasi invalicabile tra il letto e la sveglia, nonché fonte ispiratrice per i primi cristoni della stagione. Rassegnato, si strofina gli occhi e si alza, senza capire bene cosa sta succedendo. Guarda fuori dalla finestra e la confusione continua. Sì perché l’estate, quella burlona, si ostina a non lasciare il posto all’autunno, proseguendo caparbia nella produzione di giorni soleggiati e caldi.

Allora perché la sveglia ha suonato?

Soltanto il calendario, su cui finalmente L’Anno Scolastico posa lo sguardo, svela l’arcano.
Il calendario. L’unica invenzione della storia ad avere la capacità di gettare nel panico anche il più ardimentoso degli individui.
Basta una X rossa su una data qualunque ed è finita.
Non importa quanti mesi prima la scrivi.
Quando ci arrivi, non sei mai pronto.

L’Anno Scolastico vorrebbe piangere. Era sicuro che questa volta ce l’avrebbe fatta. Aveva pianificato tutto. Si era tanto raccomandato con il governo e le istituzioni. “Gli altri paesi ci guardano” aveva detto “mostriamo loro che possiamo farcela”… e invece niente. L’Anno Scolastico non è pronto.

Si rituffa sotto le coperte e mette la testa sotto il cuscino, fermamente intenzionato a dormire per i sette minuti che lo separano dalla prossima scarica di trilli della sveglia. Tanto oggi nessuno arriverà in orario da nessuna parte.
Gli viene da pensare a come sarebbero le cose se lui fosse l’Anno Scolastico di un altro quando o di un altro dove e con questa domanda in testa si addormenta.Il nuovo anno scolastico sogna.
Tuttavia, sono i protagonisti degli altri dove a ritrovarsi catapultati nel nostro quando e subito si capisce che non sarà una festa. L’annuale lettera per Hogwarts, con la lista dei libri non è mai stata consegnata, così Harry Potter ha dovuto passare la settimana precedente cercando il modo di contattare la segreteria della scuola senza farsi scoprire dai suoi zii. Tutta colpa del Ministero della Magia e delle sue riforme sull’istruzione.
Quando finalmente Harry e amici entrano in possesso della lista, è troppo tardi. I libri sono tutti esauriti e occorre aspettare almeno un mese prima che arrivino. Un fatto di per sé curioso è che molti altri studenti sono riusciti a procurarseli per tempo. Come per magia… Ah già si… giusto.
Beh, poco male, pensa Harry. Tanto mancano i docenti.
A causa della famigerata “Riforma del sistema stregonesco di insegnamento e formazione e mandato per il rimaneggio delle disposizioni magiche operanti”, chiamata dagli studenti anche legge Chizpurfle, non è più soltanto il posto d’Insegnate di Difesa contro le arti Oscure a essere vacante, ma anche parecchi altri.
In uno slancio di perversione extra, il Ministero della Magia ha deciso che sarebbe stato più divertente assegnare gli incarichi di anno in anno, e dato che il Ministero è un organo statale, ci sono dei leggerissimi ritardi che non consentono l’inizio delle lezioni con l’organico dei docenti al completo.
Per dirla tutta gli insegnanti di Incantesimi e Storia della Magia sono assenti a causa di un improvviso deterioramento del loro stato di salute. Sono costretti in un luogo di villeggiatura caldo e secco fino a ripresa completa. Essendo di ruolo, mica puoi sostituirli così, su due piedi.
Dato che la legge Chizpurfle, contiene un paragrafo sulle pari opportunità, il posto come docente di Babbanologia è stato affidato ad un professore babbano di Oxford, tuttora persuaso di aver partecipato a un paio di festini di troppo.
Gli studenti poi che non hanno residenza a Hogwarts hanno qualche difficoltà a raggiungere la scuola, per via dei tagli. Niente più autobus a tre piani, né cavalli alati invisibili. Figuriamoci Ford Anglia volanti.
Ci si deve organizzare con le mamme degli altri studenti, quelle che hanno un scopa formato wagon, ma non sempre la cosa funziona. Non è infrequente vedere poveri maghetti sotto la pioggia in attesa di una scopa che è in ritardo a causa del traffico.
Al ritorno le cose non vanno meglio, perché l’orario ridotto dei primi giorni, non coincide con l’orario d’ufficio del Ministero, presso cui queste mamme magari lavorano, e gli studenti devono aspettare tra le grigie, austere, fatiscenti pareti scolastiche.
L’anno precedente il Ministero della Magia aveva promesso di stanziare i fondi per sistemare le aule danneggiate da anni d’incuria magica eppure, causa inagibilità temporanea, la lezione di Trasfigurazione oggi si tiene nell’aula di Pozioni, insieme con altre due classi. Volo si fa nella serra, con risultati alquanto prevedibili. L’insegnante di Divinazione terrà le lezioni in un’aula diversa ogni giorno e gli studenti dovranno indovinare da soli quale. Per settimane allievi del terzo anno sono stati visti girovagare sperduti per i corridoi di Hogwarts con una sfera di cristallo in mano e dei lacrimoni così sotto gli occhi.
La sensazione che sia sfuggito qualcosa d’importante accompagnerà studenti e professori per tutto l’anno, fino agli esami e forse il diploma.
Poi la sveglia suona ancora e l’Anno Scolastico finalmente si alza. Pronti o no, è ora di andare.
L’aria non troppo fresca del mattino gli ricorda che fino alla settimana prima le giornate iniziavano con il sole già alto nel cielo, oziose colazioni e programmi divertenti per la giornata.
L’Anno Scolastico sospirando solleva gli occhi al cielo.

Non è forse un tizio a cavallo di una scopa quello lassù che si allontana?

Si strofina gli occhi e guarda ancora. Niente. Solo un’allucinazione.

“Peccato” pensa “un po’ di magia avrebbe fatto comodo”.

Poi si rende conto che qualunque cosa fosse, stava andando nella direzione opposta alla sua. A una velocità stimata di Mach 3, ad occhio e croce.

Eh no. Se pure la magia se la dà a gambe, allora chissà che cosa ci vuole per sistemare le cose.

Alessandro Fellisi

Halloween si avvicina e come prepararci al meglio se non ritornando con la memoria ad uno dei migliori esempi nella storia del cinema horror? Che poi, definirlo horror e basta sarebbe un errore, soprattutto perché quando il regista in questione è Tim Burton, riuscire a delineare un genere ben preciso è sempre molto difficile…

Non è un cineasta “facile da digerire”, lo ha dimostrato in tutti i suoi lavori. Ha un suo stile molto personale che può piacere o non piacere, infatti è sempre alla ricerca di storie che si possano adattare al meglio al suo modo di vedere e fare cinema.
Per realizzare Il Mistero di Sleepy Hollow, Tim Burton utilizzò il materiale di partenza perfetto per lui, ispirandosi ad un classico della letteratura americana, il racconto La Leggenda di Sleepy Hollow di Washington Irving.
Una narrazione già di per sé ricca di misteri e di orrori, che il regista ha modificato a suo piacimento, arrivando a creare la sua versione della storia.
Il risultato del lavoro di Burton non si può catalogare solo come pellicola di genere horror, proprio perché diretta con uno stile unico, raccontando gli avvenimenti sotto forma di favola moderna. Ovviamente una favola gotica, inutile dirlo, ormai è un marchio di fabbrica del regista.
La vicenda si svolge nel 1799, in un piccolo villaggio chiamato Sleepy Hollow, vicino New York, dove nel giro di pochi giorni vengono ritrovati i corpi di tre persone, tutti con la testa separata dal resto.
Proprio dalla metropoli verrà inviato il giovane agente di polizia Ichabod Crane, uno dei primi all’epoca ad utilizzare i più innovativi metodi scientifici per risolvere i casi, con il risultato di venire continuamente deriso e rimproverato dai suoi colleghi, per niente avvezzi all’utilizzo di strane attrezzature.
Una volta arrivato a Sleepy Hollow, gli abitanti lo metteranno in guardia su quanto sta accadendo secondo loro: l’individuo intento a seminare il panico nelle loro terre non è un normale criminale, ma si tratta del Cavaliere Senza Testa, un mercenario di una crudeltà inaudita con l’abitudine di mozzare le teste dei suoi avversari, catturato anni prima ed egli stesso decapitato prima di essere sepolto nei boschi non lontano dal villaggio. Ora sembra essere tornato dalla tomba in cerca di vendetta.
Ichabod, però, da persona razionale qual’è non potrà sicuramente credere ad una favola come questa e si metterà ad indagare cercando il vero colpevole, nascosto dietro quello che gli suona solo come un racconto dell’orrore capace di impressionare i sempliciotti di provincia.

Ma la realtà si rivelerà più incredibile della fantasia, portando l’agente Crane in un mondo di cui rinnegava l’esistenza.
Tim Burton riesce a mettere in scena questa storia nel miglior modo possibile.
Come accennato, non va a costruire un horror basato sulla paura del mostro di turno o creato apposta per spaventare il più possibile e nel modo più originale o macabro.
Certamente si vede del sangue e le scorribande del Cavaliere fanno volare parecchie teste qua e là, ma a farla da padrone è l’atmosfera che circonda Sleepy Hollow, capace di trasmettere più angoscia che paura.
Tutto ricreato, disse il regista, “come se il villaggio fosse intrappolato in un sogno” e grazie a queste scenografie, alla fotografia e alle musiche, il film riesce ad immergere totalmente lo spettatore nella campagna di New York di fine settecento, un paesaggio desolato e spettrale.
A mio parere, chiunque visitasse un luogo del genere crederebbe nell’esistenza di qualcosa di sovrannaturale e fuggirebbe a gambe levate…

Azzeccata la scelta degli attori, a partire dal protagonista, Johnny Depp, nei panni di un Ichabod Crane brillante, insicuro, curioso ed imbranato.
Un uomo che ha passato la vita seguendo a tutti i costi la razionalità, vedrà le sue credenze sgretolarsi di fronte alla sconvolgente verità, subendo uno stress tale da fargli ricordare il suo tragico passato; per fortuna verrà aiutato da una delle persone conosciute a Sleepy Hollow, ovvero Katrina Van Tassel, figlia di Baltus Van Tassel, il più grande possidente della zona.

Christina Ricci, nei panni di Katrina, con in suo aspetto e la sua bravura riesce da subito a mettere in dubbio lo spettatore sui suoi reali fini, mostrandosi tanto gentile e premurosa nei confronti di Ichabod, quanto ambigua e determinata a difendere il nome della sua famiglia.
Menzione particolare per il Cavaliere Senza Testa: non si può certo dire quanto sia stato abile Christopher Walken nell’interpretarlo (mancando la testa, sapete com’è…), però ci tengo a sottolineare la bravura di Tim Burton nel dargli il giusto risalto.
Una volta capito che esiste davvero, non viene, per esempio, mostrato di rado o in lontananza, magari rivelandosi a pieno soltanto nel finale (c’era decisamente questo rischio), ma la sua presenza è costante, si dimostra una inarrestabile ed infallibile macchina di morte.
Insomma, doveva necessariamente essere reso al meglio. E così è stato.
Anche il ritmo del film è quello giusto, il racconto non rischia mai di rallentare troppo e contiene dei buoni colpi di scena; mentre il reparto effetti speciali fa un ottimo lavoro, riuscendo ad essere credibile nonostante le difficoltà di alcune scene. Non ho trovato dei grossi difetti, forse l’unica critica da muovere è la mancanza di momenti davvero spaventosi. E voi direte: per un horror è un grosso punto a sfavore!
Se fosse stato un altro film si, in questo caso non direi.
L’ho già sottolineato, più che fare paura molte delle scene mettono angoscia, mentre altre possono essere considerate un po’ crude ed esplicite, perfino splatter.
Oltre a questo, cosa non nuova nel cinema di Burton, sono presenti diversi momenti comici, legati in gran parte alla goffaggine del protagonista, ideali per la performance di Depp.
E visto il tema trattato, si parla di umorismo nero, tanto caro al regista.
Per questi motivi, Il Mistero di Sleepy Hollow è un horror atipico, però non lo si può definire mal riuscito, anzi, funziona molto meglio di altre pellicole, che fanno di tutto per far saltare sulla poltrona lo spettatore, magari con svariati jumpscare, senza riuscirci.
Sono convinto che per produrre un bel film dell’orrore non bastino solo certi trucchetti triti e ritriti (tipo: rumore sinistro… momento di suspense… musica da brividi in crescendo e…. sbuca un gatto dal nulla!… ma dai!), piuttosto bisogna trovare nuovi modi per raccontare belle storie.

Praticamente come bisognerebbe fare con tutti i film…

 

Pregiatissimo

Non vado ad analizzare altro e consiglio davvero Il Mistero di Sleepy Hollow a chi, fino ad ora, se lo è perso o ha pensato non valesse la pena di vederlo.Magari, recuperandolo in questi giorni, l’alone di mistero intorno alla festività di Halloween potrà aiutare tutti ad addentrarsi ancora meglio nelle atmosfere del film e nell’ottica di uno come Tim Burton.

Vi spaventerete il giusto e potrete anche divertirvi, ma non troppo tranquilli, è pur sempre una storia cupa e violenta… quindi, attenti a non perdete la testa, mi raccomando… oh oh oh! Sono un burlone…

“Il silenzio è d’oro.”, questo ci è stato insegnato fin da bambini; ora viviamo, però in un periodo storico in cui questa vecchia “pillola” di saggezza popolare viene di fatto spazzata via, soffocata in un coro di grida e pensieri di persone che in tutti i modi si affannano per esprimere la propria sacrosanta libertà.

(…)Non dare ai tuoi pensieri la lingua, nè il suo compimento ad alcun pensiero fuori di proporzione: cerca di essere semplice e cordiale con tutti, ma non fino al punto d’esser volgare. (…) Concedi a ognuno il tuo orecchio, ma a pochi la tua voce. Accetta l’opinione di tutti, ma fa’ un uso parsimonioso del tuo giudizio.(…) 

 

Amleto (atto I, scena III)

 

Storicamente, mai come oggi, il concetto stesso di libertà d’espressione è stato di portata tanto ampia. La nostra società stessa si vanta d’essere una società libera e migliaia volte questa parola tanto bella e tanto terribile “LIBERTÀ” ci viene costantemente rivomitata addosso da tutte le direzioni.
Mi sorge però un dubbio: si può essere schiavi della libertà che tanto ci ossessiona?
E poi ancora mi chiedo: esiste un limite oltre il quale non sia giusto andare? Giusto, badate bene! Non possibile.
Esistono delle invisibili “colonne d’Ercole” oltre le quali la nostra libertà o il nostro impulso, per quanto giusto o nobile non diventi (auto)distruttivo?

Scrivo queste righe d’impulso, sull’onda dell’emozione, ma esse sono frutto di una profonda e lunga meditazione che ha radici ben più profonde dei fatti di cronaca che oggi smuovono le acque virtuali di internet. Sono convinto che tra un mese, sei mesi, un anno potrò prendere questo stesso articolo e rileggerlo e trovarlo attuale tanto quanto oggi, quando sarà piombato un nuovo macigno a far rimescolare lo stagno in cui noi tutti navighiamo.
Libertà di pensiero. Libertà di parola. Libertà di espressione. Libertà d’informazione.
Parole chiave dei nostri giorni dove la protagonista è, inutile dirlo, sempre lei: la Libertà. Abbiamo consacrato il concetto stesso di libertà come non plus ultra della civiltà e ci siamo erroneamente convinti di averlo raggiunto per il semplice fatto che ognuno di noi può, in qualsiasi istante, dire ciò che pensa al mondo intero. Fantastico. Incredibile. Quasi magico.
Ma… necessario?
Tutti possiamo parlare di tutto a tutti, ma è veramente necessario che tutto il mondo sappia che i gattini mi fanno ridere?
Ci vantiamo di avere la più grande libertà d’espressione di tutti i tempi e poi dobbiamo sperperarla su Ogni. Singola. Cosa.
Crediamo che semplicemente pre(o post)mettendo la frase “ma questa è solo una mia opinione” veramente sia giusto mettere bocca su qualsiasi argomento ed ergersi a giudice, giuria e boia di qualsiasi evento, grande o piccolo.

Non ci rendiamo conto che noi stessi facciamo da grancassa a quelle stesse cose che disprezziamo non facendo altro che parlarne? Gli antichi romani avevano un’usanza che mi ha sempre affascinato: la dannatio memoriœ. Una pena, riservata solo ai più grandi nemici di Roma o del Senato che consisteva nella dimenticanza totale del condannato. Chi commetteva gravi colpe veniva così letteralmente cancellato dalla storia perché di esso andasse perso persino il nome.
Oggi più qualcosa ci indigna e ci infuria, più costruiamo monumenti e mausolei mediatici di ciò contro cui tanto violentemente ci battiamo e così facendo altri inzieranno a parlarne per suscitare nuovamente la nostra reazione e così via finché la vacca grassa della libertà di parola non verrà munta sino a stillarne l’ultima goccia di sangue.

Siamo così ossessionati dalla libertà di parlare che abbiamo dimenticato di domandarci se a volte non sia preferibile il silenzio. Innalziamo a eroi coloro che non guardano in faccia a niente e a nessuno pur di dire ciò che la loro sacra libertà gli impone e ci siamo dimenticati quel vecchio concetto per cui (forse) la mia libertà finisce quando va a ledere quella di un altro essere umano. E non ditemi che le parole non feriscono: le parole possono ferire, possono persino uccidere.

“Le parole sono pistole cariche” (Brice Parain)

Non esistono persone, quale che sia la veste in cui si pongono (critici, censori, satirici, politici, saggi, santi) che DEVONO per forza dire TUTTO quello che pensano.
La libertà di parola è qualcosa di meraviglioso ed immenso, ma continuando ad abusarne, nascondendoci col già citato “ma questo è solo il mio pensiero” non otterremo altro che di perderci in un’orgia di parole vuote al termine della quale la nostra tanto decantata libertà e le parole stesse avranno definitivamente perduto qualsiasi significato.

Amiamo tanto vantarci del nostro diritto a dire tutto quello che vogliamo, forse è tempo che iniziamo a preoccuparci del nostro (come si dice nei polizieschi) diritto a rimanere in silenzio.

Abbiamo, tra le altre, la libertà del silenzio. Forse usandola più spesso, le parole che pronunceremo poi, ricominceranno ad avere un vero significato.

Esattamente 10 anni fa, il 23 marzo 2007, due settimane dopo l’uscita americana, arrivò anche nelle nostre sale il lungometraggio tratto dalla Graphic Novel 300 di Frank Miller. E fu subito chiaro: non ci trovammo di fronte ad un film simile ad altri. Chiunque si fosse fatto coinvolgere dalle gesta dei guerrieri spartani protagonisti, capì quanto quest’opera potesse lasciare il segno negli anni a venire. Difatti, sotto certi aspetti, rimane ancora oggi qualcosa di inarrivabile…

Nel 2007, per tenermi aggiornato sulle notizie riguardanti la settima arte, utilizzavo spesso Castlerock.it (dal 2008 Movieplayer.it, dopo la fusione con il canale cinema di Multiplayer.it). Alla fine di quell’anno, come di consueto, il sito chiese agli utenti un parere sull’annata cinematografica in via di conclusione, tramite la stesura della solita classifica dei migliori film.
In più, chi voleva poteva lasciare un commento sintetico che riassumesse quanto visto di bello (o di brutto) nei 12 mesi trascorsi.
E io lasciai il mio parere. Qualche riga con qualche accenno a quanto di meglio il 2007 ci aveva mostrato.
Dopo la raccolta delle classifiche e dei voti, Castlerock avrebbe rilasciato i risultati e avrebbe pubblicato una manciata dei commenti più significativi.
E il mio fu uno di questi.
Perché racconto di fatti miei in un Back to the Movie? Perché voglio proprio partire da quel commento, dalle prime, azzeccate, parole che utilizzai per descrivere il film rivelazione di quell’anno: “Epico e potente, enfatico e valoroso“.
Questo è 300 di Zack Snyder.

Per chi non lo sapesse, la pellicola è l’adattamento cinematografico della graphic novel omonima scritta dal fumettista americano Frank Miller, ispirata a sua volta dalla battaglia delle Termopili del 480 a.C.
La storia inizia quando un messaggero persiano arriva a Sparta chiedendone la sottomissione per conto di re Serse.
La risposta degli spartani, capeggiati da re Leonida, è un “no, grazie” abbastanza chiaro. Chiedete al messaggero cosa ne pensa, se riuscite a trovarlo…
La conseguenza inevitabile del rifiuto è la guerra contro lo sterminato esercito persiano, quindi, come vuole la tradizione, Leonida deve sottoporre il suo piano per contrastare l’avanzata nemica agli efori, i sacerdoti degli antichi dei.
Purtroppo questi non ci mettono molto a rivelare la loro natura di creature inutili e corrotte, dichiarandosi contrari ad un qualsiasi coinvolgimento militare di Sparta, anche dopo aver consultato il cosiddetto “oracolo”.
E senza l’approvazione degli efori, ovvero degli dei, perfino il re ha le mani legate.
Da qui, Leonida sceglie di aggirare le vecchie leggi: formalmente, lui e 300 uomini, quelli che definisce la sua guardia personale, partono per una semplice “scampagnata” verso il passo delle Termopili. In questo modo il re non va contro le parole dell’oracolo e nessuno può fermarlo.
Inizia così la marcia degli spartani, in viaggio verso una battaglia impossibile contro un esercito infinito, determinato ad impossessarsi non solo della loro città, ma di tutta la Grecia e oltre.
Però, re Leonida può contare sui migliori soldati che il mondo abbia mai conosciuto, in attesa del nemico nello stretto corridoio delle Termopili, dove i numeri di Serse non contano niente.
300 guerrieri addestrati a non indietreggiare mai, a non arrendersi mai, pronti a morire sul campo di battaglia, per loro la gloria più grande che la vita potrebbe offrire.
Il resto è Storia, con la S maiuscola.

Difficile spiegare bene a parole quello che 300 riesce a trasmettere allo spettatore.
Personalmente, dopo averlo visto per la prima volta, ricordo molto bene la commozione provata per il tragico destino a cui sono andati in contro i prodi spartani, ma al tempo stesso, il loro gesto eroico mi diede una carica pazzesca. Come quella provata ai tempi non solo da Sparta, ma da tutta la Grecia, infine unita nel nome di Leonida e dei suoi soldati.

In questa pellicola tutto viene ricreato in maniera magistrale, a partire dalla messa in scena visiva: una gioia per gli occhi.
Ricordo, non ci troviamo davanti ad una classica rappresentazione storica.
Ci mostra fatti realmente accaduti, però ispirandosi innanzitutto al lavoro di Frank Miller e alla sua personale ricostruzione della vicenda.
Fin dall’inizio, infatti, anche il pubblico meno esperto può notare la particolare fotografia utilizzata, adatta a mettere in risalto colori specifici, scelta proprio per riprodurre al meglio sul grande schermo le pagine del fumetto originale.
Anche la forma narrativa è molto simile a quella presente nella graphic novel e funziona alla grande, con la voce fuori campo a narrare parte degli avvenimenti.

Insomma, del risultato finale bisogna senz’altro essere grati a Miller e al suo stile di scrittura e di disegno, che ben si prestano ad una trasposizione cinematografica, ma come non elogiare lo straordinario lavoro del regista?

Con 300, Zack Snyder è riuscito a creare qualcosa di unico ed in gran parte inimitabile.
Bellissime le sue inquadrature ricche di dettagli ed impeccabile la direzione delle battaglie, impreziosite dall’utilizzo della slow motion nei momenti più importanti; tecnica ideale per far risaltare le immagini e dare la possibilità allo spettatore di soffermarsi ad ammirare certe scene.
A questo il regista ha unito alla perfezione i portentosi dialoghi, presenti in tutta la pellicola, dall’inizio alla fine.
Il solo Leonida pronuncia una quantità industriale di frasi ad effetto, che potrei iniziare a citare una dopo l’altra, ma faremmo notte…
Soprattutto va sottolineata l’importanza delle parole (dette non solo dal re ma anche da altri personaggi), parole forti e pesanti tanto quanto le immagini, forse anche di più. Frasi che galvanizzano gli spartani e hanno lo stesso effetto sul pubblico davanti allo schermo.
Inoltre, per dare ancora più enfasi al racconto, è stata composta una colonna sonora di una epicità assoluta: unitela a quanto detto sopra ed avrete di fronte uno dei migliori film che io abbia mai visto.

Non voglio dimenticarmi degli attori, tutti azzeccati: Lena Headey è Gorgo, la moglie di Leonida, regina spartana tosta e pronta ad affrontare qualsiasi situazione; Dominic West è Terone, perfido e corrotto membro del consiglio di Sparta, risulta odioso come da copione; Rodrigo Santoro è Serse, ambiguo, subdolo, folle, incarna in maniera perfetta la figura del sovrano accecato dalla sete di conquista.
Gli interpreti degli spartani al seguito del re, tra cui David Wenham, Vincent Regan e Michael Fassbender, fanno benissimo il loro lavoro, sono guerrieri devoti e determinati a difendere la loro libertà, ognuno con il suo carattere certo, ma guidati da un chiaro obiettivo.
Ho lasciato per ultimo il protagonista assoluto: il re, interpretato da Gerard Butler, nato per questo ruolo. Il suo è un Leonida duro, fiero, forte, in una sola parola: spartano. La persona che meglio incarna tutti gli ideali del suo popolo, un eroe pronto a morire per difendere ciò in cui crede.
Interpretazione memorabile. Applausi.

Concludendo, 300 è a tutti gli effetti un capolavoro, da vedere assolutamente.
E da rivedere, perché è uno di quei pochi film capaci di trasmettere le stesse sensazioni anche se già lo si conosce. Coinvolge con la sua atmosfera, con lo spessore dei suoi protagonisti, con una colonna sonora fantastica e con la potenza della sua storia.
Il racconto di 300 uomini che grazie alle loro gesta sono diventati immortali, avendo lasciato un segno indelebile nella Storia del mondo.
E da 10 anni a questa parte, anche nella storia del cinema.

“Ricordate questo giorno uomini, perché questo giorno è vostro e lo sarà per sempre.”
(Leonida)

Pregiatissimo